El Museo de Arte Moderno de Nueva York había estado abierto durante cuarenta años antes de que decidiera organizar una exposición de obras de un artista aún vivo. El 8 de diciembre de 1969, The Graphic Constructions de Josef Albers se inaugura en la calle West 53rd. El comunicado de prensa se refería a Albers como profesor, poeta y filósofo, y daba una idea de la amplitud de su carrera:
"Su trabajo abarca vidrieras del período de la Bauhaus, dibujos, óleos, gouaches, pinturas murales, litografías, linograbados, xilografías, grabados y serigrafías. Sus obras en colecciones públicas se encuentran en una docena de países y alrededor de la mitad de los Estados de este país, incluyendo unas sesenta obras en la Colección del Museo de Arte Moderno, y sus obras se pueden encontrar también en edificios comerciales como el Corning Glass Building de Nueva York".
Treinta años después de haberse convertido en ciudadano estadounidense, su carrera es un referente en la que no faltaron momentos destacables.
Josef Albers nació en la ciudad de Bottrop en el noroeste de Alemania en 1888. Murió en New Haven, Connecticut, 88 años después. Su vida fue un viaje entre países y épocas. Nació trece años antes del final de la era victoriana y murió cinco años antes de que Ronald Reagan se instalara en la Casa Blanca.
Lorenz Albers, el padre de Josef, era un pintor de viviendas. Enseñó a su hijo muchas destrezas prácticas, desde el grabado, la fontanería o la electricidad, pero le desaconsejó que se dedicara al arte prosefionalmente. En su lugar, el joven Albers se convirtió en profesor de escuela primaria. Más tarde, después de tomar lecciones en la Real Escuela de Arte de Berlín, se certificó como profesor de arte en 1915. Empezó a pintar y a hacer grabados y se interesó por los vitrales. Su primer encargo público llegó en 1918 cuando le pidieron que creara una vidriera (que fue destruida) para una iglesia en su ciudad natal.
En 1920, a los 32 años, Albers se inscribió en una nueva escuela que había abierto el año anterior en la ciudad de Weimar: la Bauhaus. Fundada por Walter Gropius, el personal docente de la Bauhaus en esos primeros años incluía a Paul Klee y Wassily Kandinsky. Albers se centró en la fabricación de vidrieras, las consideraba como un puente entre la arquitectura y el arte. Es revelador que su primer trabajo se centró en cómo la luz atraviesa el vidrio de color. El poder del color, y la energía creada por la yuxtaposición de colores, permanecería como una constante en su trabajo y se convertiría en el centro de su enseñanza.
En 1925, Albers fue el primer estudiante de la Bauhaus al que se le pidió que se uniera a la facultad. Ese mismo año, se casó con una compañera de estudios, Annelise Elsa Frieda Fleischmann, conocida a partir de entonces como Anni Albers. Aunque ambos eran artistas (Anni trabajaba el arte textil) su única colaboración consistió en la creación de las tarjetas de Navidad que enviaban a sus amigos cada año. Su matrimonio duraría más de medio siglo.
A principios de los años 30, la Bauhaus fue dirigida por su tercer (y último) director, Ludwig Mies van der Rohe, pero su corta trayectoria estaba llegando a su fin. El poder de los nazis crecía y la Bauhaus era vista como un hervidero de lo que los nazis llamaban "arte degenerado". En abril de 1933 fue asaltada por la Gestapo, y más tarde ese año la facultad decidió cerrar la escuela. En 1933, Albers se mudó a los Estados Unidos.
Albers era un excelente profesor, pero con un carácter imposible. Sus críticas eran tan devastadoras que nunca le pedí su opinión. Pero 21 años después, todavía aprendo de lo que me enseñó.
El arquitecto Philip Johnson, entonces conservador del Museo de Arte Moderno de Nueva York le ayudó en su traslado a Estados Unidos. Ayudó a Albers a conseguir un trabajo en una escuela nueva - Black Mountain College, ubicada en Asheville, Carolina del Norte, donde enseñaría durante 16 años.
"Bajo la dirección de Josef Albers, el Black Mountain College fue un extraordinario foco de desarrollo creativo en la década de 1950", dice Loretta Howard de la Galería Loretta Howard, ubicada en Chelsea, Nueva York, especializada en el arte abstracto americano posterior a la Segunda Guerra Mundial. "Albers enseñaba junto a Willem de Kooning, Franz Kline y Robert Motherwell y entre sus alumnos se encontraban Cy Twombly, Robert Rauschenberg y Kenneth Noland".
De su maestro, Rauschenberg dijo más tarde: Albers era un excelente profesor, pero con un carácter imposible. Sus críticas eran tan devastadoras que nunca le pedí su opinión. Pero 21 años después, todavía aprendo de lo que me enseñó.
Después de Black Mountain, Albers pasó a dirigir el departamento de arte de la Universidad de Yale, donde influyó en otra generación de artistas importantes antes de retirarse en 1958 a la edad de setenta años. "Enviaba a los estudiantes con una cámara a buscar modelos en la naturaleza", dice Howard. "Este ejercicio se hizo famoso por su influencia en la fotografía en el arte. Sin embargo, sus conferencias sobre la teoría del color son el legado más importante de su enseñanza."
El trabajo académico más conocido de Albers es su libro Interaction of Color (Yale University Press, 1963). Ha sido traducido a múltiples idiomas y sigue siendo una lectura esencial para cualquier estudiante de arte o cualquiera que se esfuerce por entender el poder del color. El libro comienza explicando cómo el nombre de un color tiene diferentes significados para cada persona: "Incluso cuando se habla de un color determinado ,color que todos los oyentes han visto innumerables veces - como el rojo de los anuncios de Coca-Cola que es el mismo rojo en todo el país - seguirán pensando en muchos rojos diferentes".
La naturaleza variable del color fue explorada a través de las obras más famosas de Albers - la serie Homenaje a la Plaza, que incluye cientos de pinturas y grabados. Trabajó en ellas durante 25 años, a partir de 1950. Típicamente compuesta por tres cuadrados de tamaño decreciente, ejemplifican las enseñanzas de Albers sobre el color. Al colocar diferentes cuadrados de diferente color uno al lado del otro, se invita al observador a sentir la energía y la interacción entre ellos. Son, en palabras del Guggenheim, "increíblemente simples".
De Homenaje a la Plaza: Aparición (óleo sobre masonita, 1959), el Guggenheim escribe: "La serie se define por una adhesión incondicional a una fórmula pictórica: el cuadrado. Los efectos ópticos que Albers creó -contrastes de colores brillantes y la ilusión de planos que retroceden y avanzan- no estaban destinados tanto a engañar al ojo como a desafiar las facultades de recepción visual del espectador".
Cuando una pintura de un millón de dólares es una ganga.
La propia explicación de Albers para sus obras era más simple: " Se trata de la emoción de poner los colores juntos ... La forma en que el verde se somete al azul, por ejemplo, o viceversa. Lo que me interesa es la forma en que se unen, interpenetran y producen el bebé, el color que es su producto juntos."
La similitud de composición de las obras tiene como objetivo aumentar la conciencia del poder del color. "Todos son de diferentes paletas, y por lo tanto, por así decirlo, de diferentes climas", escribió Albers en 1965. "La elección de los colores utilizados, así como su orden, tiene como objetivo una interacción - influenciando y cambiando cada uno hacia adelante y hacia atrás. Así, el carácter y el sentimiento cambian de una pintura a otra sin ninguna 'escritura a mano' adicional o, así llamada, textura. Aunque el orden simétrico y cuasi-concentrado de los cuadrados sigue siendo el mismo en todas las pinturas - en proporción y colocación - estos mismos cuadrados se agrupan o se separan, se conectan y se separan de muchas maneras diferentes".
Albers creaba las pinturas colocando el lienzo (o, más a menudo, una hoja de masonita) sobre una superficie horizontal y usando una espátula para aplicar una capa fina de pintura directamente del tubo. No mezclaba la pintura, ni usaba cinta adhesiva para asegurar una línea recta y limpia alrededor de cada cuadrado.
En 2007, Bloomberg publicó un artículo sobre Albers titulado: "Cuando una pintura de un millón de dólares es una ganga". En él se preguntaba: "Los precios de las obras de Josef Albers están subiendo, pero ¿se mantendrán así?" Las indicaciones son buenas. Los resultados más destacados de las subastas de las obras de Albers incluyen 1,49 millones de dólares (720.057 libras) en 2007 para Homenaje a la Plaza: Joy (1964) y, en 2015, 785.000 libras para Study for Homage to the Square, R-III E.B (1970). En 2017, su Homenaje a la Plaza: Temperate consiguió 2,28 millones de libras en Sotheby's.
Aunque muchas de sus obras maestras se encuentran en colecciones privadas o colgadas en galerías importantes, hay algunas obras de Albers que pueden disfrutarse gratuitamente: fue un gran defensor del arte público. Un ejemplo notable fue la visita que pudieron hacer los transeúntes que pasaban entre la Gran Terminal Central de Nueva York y el 200 de Park Avenue (originalmente el edificio Pan Am, ahora el edificio Met Life). El mural, titulado Manhattan, fue descrito por el New York Times como "Cientos de paneles entrelazados - negro, blanco y rojo Coca-Cola - un mural en el que la geometría y la precisión meticulosa se encuentran con la vivacidad modernista".
El edificio había sido co-diseñado por Walter Gropius, que conocía a Albers de sus días en la Bauhaus. Él puso en marcha el trabajo, pero en el 2000 fue retirado y posteriormente destruido cuando se descubrió que contenía amianto. Afortunadamente, en 2019 se restauró una réplica exacta del edificio. Como Nicholas Fox Weber, el Director Ejecutivo de la Fundación Josef y Anni Albers, dijo al New York Times: "Esto es lo que el arte era para él: algo que podría afectarte, tal vez dar un poco de alegría a las vidas de esas personas que se apresuran a tomar sus trenes o salen corriendo de la estación camino de su trabajo."
El legado de Josef Albers es dual: Dejó una colección de arte y también un cuerpo de ideas. Al mirar sus obras, nos muestra nuevas formas de ver.
"El arte no es un objeto", dijo Albers una vez. "El arte es una experiencia".
